張 慧 聰

（白俄羅斯國立文化藝術大學）

在社會經濟大放異彩的當下，學習彈鋼琴不再是少數(shù)學生的特權，它已掀起一股浪潮，這樣我們更應該注重正確的彈奏方法，從而演奏出美妙動聽的音樂旋律，但是現(xiàn)在大多數(shù)學生都普遍出現(xiàn)僵硬彈琴狀態(tài)，甚至有砸琴，敲琴，導致彈出的聲音都是噪音，極其的難聽，鋼琴本來的音色是非常好聽的，所以我們彈琴應該放松地歌唱性地彈奏，鋼琴本身是不能發(fā)出聲音的，但如果使它的演奏達到真正的情感抒發(fā)，首先應該具備的就是歌唱性。鋼琴本身是死的，但是我們有能動的駕馭，那就是我們演奏者的彈奏技巧和情感的嫻熟運用，把我們自己內心的情感融入到琴中來，這樣便于我們更好的領悟它、運用它。

一、歌唱性及鋼琴的發(fā)聲原理

我們唱歌時內心的樂感、美感包括情緒就是歌唱性，也就是說，歌唱性就是我們通過手指彈奏鋼琴抒發(fā)我們內心的歌唱，而不是僅僅張大嘴巴歌唱。任何鋼琴曲都由旋律、句法、呼吸組成，這些都要求歌唱性。也有專指抒情如歌的鋼琴曲，或者是抒情如歌的部分段落。對于初學鋼琴的少年兒童，他們從學習彈奏第一個簡單的曲調開始就應該注重歌唱性的表達，把自己內心的歌唱感觸通過手指抒發(fā)出來，這才稱得上邁向真正的藝術之路。

鋼琴音色動聽，但是相比其他樂器來說，鋼琴音色缺乏延續(xù)性，所以為了更好的表達演奏旋律，彈出線條的強弱變化，就要求運用技術表達內心的情感，歌唱性地演奏，讓整個曲子流暢起來。音色是由發(fā)音物體的內在屬性、外在形態(tài)以及其產生泛音數(shù)量的差異而形成差異化聲音，也就是音的特點與色彩。婉轉動聽的音色是表演者至高無上的追求。唯有彈奏出動聽的歌曲，才能贏得觀眾的心，實現(xiàn)音樂感人肺腑之功能行歌曲發(fā)展的第一個高峰期。鋼琴的聲音是由琴槌擊弦產生的，所以鋼琴擁有獨特的顆粒性聲音，這恰恰是這門樂器的特長。跳音及連奏的演奏可以讓鋼琴的優(yōu)勢得到最大化發(fā)揮。具有很強的節(jié)奏感，同時充滿活力，而更重要的則是表現(xiàn)出張弛有力的顆粒性。所以我們要把曲子連貫地有旋律地彈奏下來，就少不了歌唱。

歌唱能夠表達大家的各種心情、需求與創(chuàng)造力，歌唱的氣息悠長細膩，歌唱的韻律流暢自如。少了歌唱，曲子就會顯的呆板，機械，僵硬，沒有感情，從而會使曲子聽起來給人不好的感覺，所以要把內心對整首曲子的感情歌唱出來，通過手指抒發(fā)出來，歌唱性是鋼琴演奏最為關注的地方，毫無夸張的說，要想學好鋼琴，就必須解決這一根本任務。其歌唱性指的是每個連貫自如的不間斷因相互連接而產生的具有方向性的樂句，將我們從音符中切身感受到的東西，通過手指輕輕觸擊鍵盤以樂音的方式表達出來。總體倆說，是依靠音樂進行內心情感的抒發(fā)。內心要有對音樂有感受和理解，并且這種領悟和感受越深刻，演奏也就越飽滿動人。假如內心毫無感受，空空的，那么演奏出的只能是單純具有一定手段的專業(yè)人員也不一定能彈出充分歌唱的音樂。只說明鋼琴上的歌唱性有他特殊的困難的音符，缺乏感染力。

二、歌唱性彈奏的基本方法

首先內心要歌唱，耳朵要聆聽。彈奏者應切切實實感受到演奏的樂曲是優(yōu)美動聽的音樂。要善于發(fā)現(xiàn)樂句中的歌唱性。彈奏每一句曲調時都要注重歌唱，要用鋼琴表達自己內心的歌唱。優(yōu)美的音色離不開好的聽覺，盡管說音色的好壞與技術訓練有著密不可分的聯(lián)系，然而繼續(xù)深究下去會發(fā)現(xiàn)，技術訓練的本質其實就是聲音訓練。

要想演奏出動聽音色，就要分辨出什么樣的音色是動聽的，如果聽不出來肯定是不會演奏出來的。在現(xiàn)實生活中，確實有部分人對音色的辨識能力是與生俱來的，然而在鋼琴學習者中具有天賦之人畢竟占少數(shù)，天生不具備優(yōu)異的音色觀念是能夠依靠后天努力來進行提高的，最終可能比那些天賦者表現(xiàn)的還要突出。

其次，應對旋律體現(xiàn)的“語氣”線條引起高度重視。在音樂中，旋律這部分最具表現(xiàn)力，它在作品中扮演至關重要的角色地位。每一句旋律都應呼吸恰當，如同在說話或是唱歌，它的情感波動與音色變換正是樂曲內在屬性的具體表現(xiàn)。無論哪首樂曲，其組成都離不開樂句、樂段。全曲有總的情感基調，每個樂句或樂段均表現(xiàn)出自身的獨特性，兼具高潮與低谷，鋪墊發(fā)展與委婉過渡，它們既是獨立的，又是關聯(lián)的。演奏之初需要對樂曲構架進行全面細致的剖析，結合樂曲情感的波動起伏，合理妥善地分配樂句、樂段演奏的力度、情緒轉變及音色明暗，讓樂曲表達更加豐厚飽滿的內容。另外就是演奏者的呼吸，無論誰只要說話或唱歌都離不開呼吸，鋼琴演奏同樣如此。我們經常說鋼琴演奏也應如歌唱般優(yōu)美動聽，那么呼吸的重要性更是不言而喻。通常情況下，呼吸是遵從樂曲的情感變化來改變的，有時急促，有時緩慢。在休止符處，往往忽視了“吸”，而它恰恰是作曲家為表露某種情感轉變而安排的。在演奏中，演奏者的呼吸及肢體動作要配合樂句的“呼吸”，使得兩者高度協(xié)調匹配。假如在演奏中沒能把握好呼吸的配合，就難以讓音樂作品收獲意想不到的效果。

再次是踏板的運用。在演奏歌唱性旋律期間，適度的借用踏板會讓音樂錦上添花，這個時候通常采用延音踏板，以便確保聲音久久蕩漾并引起共鳴。踏板踩放應選擇正確的時間點，且換的干凈利落。結合音樂色彩的改變，右踏板踩的時間與力度強弱也同步發(fā)生變化，若是要求旋律鏗鏘有力、和聲飽滿時，采用全踏板；而在伴奏音緊湊且要保持延留性時，可用半踏板或四分之一踏板；在和聲高頻次轉換、音符緊湊時，可采用抖踏板；當音色需要轉向朦朧、柔和時，可用左踏板配合適當?shù)挠姨ぐ濉?/p>

總體來講，歌唱性并不是狹義的連奏，更重要的是對樂句的處理，是聲音產生細致變化和聽覺的連貫。好的演奏看似信手拈來，實際是有科學的分析、周密的設計、恰當?shù)奶幚?，彈奏出的抑揚頓挫、優(yōu)美如歌都是經過深思熟慮、刻苦練習和精心設計的包括對作家、對作品的深入研究上，也包括作家生活的時代，作家的生平、創(chuàng)作特征，作品的社會背景，作品的內容、曲式、技法等。

三、歌唱性的實際運用

我們在鋼琴演奏過程中可以憑借手指輕輕觸擊鍵就能發(fā)出一種我們期待的聲音，這種聲音可以是柔和的，也可以是憂傷的，歡快的，抒情的，或是具有一定的美感，當人們聽到此般音樂時會陶醉其中，這就說明該音樂具備歌唱性，而多數(shù)鋼琴教育中往往輕視了“歌唱”的地位。我們在最初的鋼琴學習中就應該清楚地認識到歌唱是什么及如何進行歌唱，要突出歌唱的重要性，與此同時，還需建立并鞏固技術服從音樂的理念。這樣我們才能彈奏出美妙動聽的音樂，充分體現(xiàn)出音樂帶給我們的樂趣和意義。

德爾松是浪漫主義盛行時期的代表作曲家之一，他的《無詞歌》是鋼琴小品體裁的先導，對于學習鋼琴的人來說，這首曲是對浪漫主義音樂的感悟與體驗，知曉歌唱性奏法的最佳教材，所謂“無詞歌”就是缺乏詞的歌，換而言之，即性質與歌曲相同，但看不到歌詞?！稛o詞歌》作為抒發(fā)浪漫主義色彩的鋼琴作品借用樂器這種形式表現(xiàn)是對聲樂的一種突破創(chuàng)新，每首作品占較小篇幅，但當中情感的細膩與起伏，富有濃厚抒情性與歌唱性的旋律，具有卓越的音樂感召力。

總之，演奏鋼琴不僅需要一定的基本理論技巧而且更需要我們融入音樂歌唱，這就是鋼琴演奏的歌唱藝術。